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OKU Ibiza, un nuevo hotel inspirado en la filosofía Wabi-Sabi

Ibiza ha sido siempre el refugio bohemio por excelencia, un lugar al que escapar para encontrarse a uno mismo.

El Mediterráneo, con su estilo de vida pausado, se une al Wabi-Sabi japonés, (el encuentro de la belleza en lo imperfecto y natural), en el nuevo Hotel OKU Ibiza.

El Segundo hotel de la firma aterriza en la isla, entre las colinas de la bahía de Cala Gració. Un hotel de 5 estrellas diseñado por el equipo de MG&AG que ha apostado por el uso de materiales honestos, sin artificios y de origen natural para dotar al espacio del lujo discreto y relajado que lo caracteriza.

Las texturas rugosas del hormigón visto, piedra, madera y lino conviven con el verde botánico que aparece en las plantas tropicales, palmeras y plataneras que encontramos por todo el espacio. 

Las tonalidades terrosas y el minimalismo del edificio se funden con el paisaje al mismo tiempo que nos sorprenden al alejarse de los encalados estereotipos de la isla.

El aire del Mediterráneo se encuentra en la experiencia que genera su arquitectura, la frontera entre interior y exterior se difumina en espacios intermedios.

La luz natural se aprovecha al máximo creando un juego de luces y sombras.

Un hotel pensado para un nuevo tipo de viajero, que busca un lujo relajado, sin artificios ni pretensiones.

Fachada del hotel presidida por una de las piscinas principales, rodeada por la madera del suelo, el hormigón visto de las gradas y por las tumbonas de tela en tonos beige.

Los ventanales de madera se abren y se cierran creando un juego de formas convirtiendo la fachada en una obra de arte minimalista. 




Casa Poko-Poko, un Hotel en Japón sacado de cuento de hadas

En medio de un bosque, en Japón, la casa Poko-Poko se compone de tres conos diseñados para actividades de los huéspedes del hotel Risonare Nasu.

En una región rural de Japón, cerca de la ciudad de Nasu y a la sombra de los volcanes del Monte Nasu, el estudio arquitectónico de Klein Dythan ha diseñado una casa-club y un centro de actividades para el hotel Risonare Nasu.

La nueva construcción, llamada Poko Poko, se encuentra en un claro del bosque circundante y entre los dos bloques de alojamiento del hotel. Los arquitectos han tenido la intención de crear “un edificio de cuento de hadas en un claro del bosque”.

El edificio asoma entre los árboles y se divisa desde la carretera que conduce hasta el hotel. Se compone de tres conos de madera, conectados, que se distinguen por sus funciones y definen el contorno.

Los autores del proyecto han contado que el nombre de la casa-club, Poko-Poko, es una onomatopeya que imita el sonido de los brotes de bambú entre los árboles del bosque. El edificio servirá como ámbito de actividades para los huéspedes del hotel.

El cono central está dedicado a cocinar y cenar, pero no sólo: los adultos y sus hijos pueden participar de talleres de comida, desde mermeladas a pizza. Este cono está flanqueado por dos más pequeños, uno diseñado para juegos infantiles y otro como espacio de ocio para los adultos.

En vista aérea, el edificio Poko-Poko, diseñado por el estudio de Klein Dythan, en el claro de un bosque.




Camille Allen, la escultora que fabrica Bebés en miniatura

La artista canadiense Camille Allen tiene un pasatiempo bastante inusual y una habilidad impresionante para igualarlo. Ella hace esculturas de arcilla en miniatura de bebés recién nacidos que pueden caber dentro de la palma de su mano.

Es una habilidad que la artista de 35 años aprendió de su abuela, quien también estaba haciendo esculturas para bebés, excepto que eran de tamaño natural. 

Pero cuando comenzó Camille, no tenía suficiente arcilla para eso, así que hizo versiones en miniatura: “ Cuando sostuve la primera pequeña escultura de bebé en mi mano, me enamoré de ella. He estado haciendo los bebés en miniatura desde entonces. 

” Me encanta crear algo que no existía antes ” , dijo Camille a Daily Mail. “ Mi parte favorita es esculpir sus caritas básicamente de una bola de arcilla en blanco. 

Si quieres sostener estas bellezas en tu mano, puedes ordenar a tu pequeño bebé desde el sitio web del artista .

Más información: camille allen  | instagram | facebook (h / t: dailymail )

 

PIC BY CAMILLE ALLEN/CATERS NEWS – (PICTURED: Tiny lifelike baby sculptures made by Camille Allen.) – Its Tom Thumb! These tiny babies look just like they could Toms brothers and sisters, judging by their diminutive size. In fact, they are the latest offering from sculptor Camille Allen, 35, from British Columbia, Canada, who specialises in the miniature mites. Having seen her grandmother-in-laws life sized baby sculptures, Camille was taught the art in order to keep it in the family. After trying her hand at the baby sculpting, Camille decided that she need a challenge and, after not having enough clay for a large model, began to create the tiny versions. While she makes the babies to order for customers, Camille admitted that she becomes very attached to each sculpture that she makes and often feels the separation at the end of the process. SEE CATERS COPY.




Ikebana, arte milenario japonés

30Ikebana (生け花? “Flor viviente”) es el nombre usado para denominar el arte japonés de arreglo floral. También conocida como kadō (華道 ó 花道?) “el camino de las flores”.

Con la introducción del budismo en Japón a través de Corea y China en el siglo VI, llegó también la costumbre del kuge, u ofrendas de flores en el altar. Un sacerdote budista de nombre Ono-No-Imoko insatisfecho con la forma despreocupada con la que los sacerdotes hacían las ofrendas florales en el altar de Buda, experimentó con arreglos que simbolizaban todo el universo.

En sus diseños, las flores y las ramas se dirigían hacia arriba (nunca hacia abajo), y se disponían en grupos de tres para representar la armoniosa relación entre el cielo, hombre y tierra.

Los sacerdotes continuaron haciendo arreglos florales durante cientos de años, pero no hay constancia de ninguna forma o diseño que siguiera un sistema particular hasta finales del s. XV. En esta época, simultáneamente al Renacimiento italiano, Japón experimentó una explosión de desarrollo artístico, y se creó la arquitectura tradicional japonesa, tal y como la conocemos hoy en día, la poesía haiku, el teatro noh, la jardinería y se inició la formación de distintas Escuelas de Ikebana que han ido evolucionando y definiendo sus arreglos desde un punto de vista más tradicional o innovador, fluctuando siempre entre estilos más formales o informales.

En el siglo XIV, durante el mes de julio, muchos festivales (p.ej. el de Tanabata) se celebraban en los más importantes templos y santuarios. Tales eventos se conocían con el nombre de: Shichiseki-Horaku-no-Hana. Más adelante en el período Kamakura (1192-1333) se puso de moda construir dentro de un cuarto (zashiki) una especie de nicho (Tokonoma) donde se colocaban un arreglo floral, incienso y una vela. Debido a la estrechez del Tokonoma, los arreglos florales se hicieron para ser vistos sólo de frente.

En dicha época el concurso de flores Hana-Awase llegó a formar parte del concurso de poesía ya existente muchos años atrás: Uta-Awase. Con motivo de estos concursos no solamente se combinaban los dos artes, sino que se exhibían vasijas, contenedores y floreros. Los cortesanos, samuráis y monjes competían por el mejor premio, concursando con flores exóticas o vasijas de delicada belleza traídas de China.

Es la creación del primer arreglo floral, de línea muy estricta, con muchas reglas y restricciones llamado Tatebana (flor de pie/vertical) que se puede considerar como primer estilo que se puede llamar Ikebana. Las ramas y flores se colocó en un florero alto y estrecho. En el libro más antiguo de Ikebana “Kaoirai no Kadensho” (1499) presenta ilustraciones sobre estos arreglos florales realizados en vasijas, con fondo de arena.

En esa época, el principal maestro de arreglos florales se llamaba Ikenobo Sengyo. Luego, en el siglo XVI, se crearon reglas precisas y complicadas para los arreglos florales. Este daría paso al estilo Rikka establecido por la escuela de Ikenobo.

El estilo Rikka era usado para ocasiones ceremoniales. Surgió un estilo menos formal y complicado llamado Nageire, preferido por la gente común. Muchas escuelas de Ikebana aparecieron durante el período Edo (1603-1868). En 1820, la escuela de Ikenobo, a partir del estilo Nagerie estableció el estilo Shoka que era de nuevo un estilo ortodoxo.

Durante el período Meiji (1868-1912), los estilos de la escuela Ikenobo se consideraron muy estáticos y conservadores. Muchos maestros de Ikebana, influenciados por la cultura occidental, trataron de modernizar el arte del arreglo floral. Surgieron estilos modernos de arreglos florales como el Moribana, principalmente durante el período Taisho (1912-1926). Después de la segunda guerra mundial apareció el estilo libre de Ikebana.

La academia “Sanguetsu” fue creada en junio de 1972 de Mokichi Okada (岡田茂吉), como otra escuela de Ikebana. Se caracteriza por un estilo sencillo y estricto.

En 1977, el director de la escuela Ikenobo dividió el estilo Shoka en dos: el Shofutai que es tradicional y el Shimputai que es más libre y expresivo. Igualmente, el estilo de Ikebana más formal y tradicional, el Rikka, fue dividido en dos estilos en 1999.

Actualmente en Occidente, a pesar del creciente interés por el arte y la arquitectura japonesa, el Ikebana, desafortunadamente, es a veces definido simplemente como unas normas para colocar flores en un recipiente y lograr un efecto decorativo, muy de moda con los gustos estéticos actuales, omitiendo las sutilezas, la riqueza y la profundidad de esta antigua disciplina. Sin embargo, no hay porque adoptar todas las respuestas culturales japonesas acerca de la naturaleza para poder disfrutar y practicar ikebana. Todo lo que se necesita es observar atentamente la forma y fases de crecimiento de las flores y otros elementos vegetales y su desarrollo a lo largo de las estaciones. Los medios de autoexpresión de la naturaleza son muy poderosos y ayudan a desarrollar nuestra habilidad para ver nuevas formas, acentuando la singular belleza de cada elemento, trabajar con la esencia del modelo en la naturaleza permite a la composición expresar mucho con muy poco y expresar con belleza la naturaleza cambiante de todas las cosas.




¡INSPIRADA EN LA CALIGRAFÍA CHINA, ESTA COLECCIÓN DE DISEÑOS DE MUEBLES DE MADERA ES PURA OBRA DE ARTE!

Inspirado por Caoshu, el arte de la escritura en pincel cursivo chino, el diseñador de productos surcoreano Chulan Kwak creó su colección de muebles llamada ‘Estructura cursiva’. Kwak se llama a sí mismo un “dador de formas” y esto se refleja claramente en sus diseños. Imitando las letras elegantes y fluidas de Caoshu, las piezas parecen dragones volando por el cielo, y han sido nombradas la Mesa Consola del Dragón y la Silla del Dragón con razón.

Transformó los trazos de Caoshu en hermosos diseños 3D aplicando técnicas artesanales de papel a la carpintería. Al doblar la madera contrachapada, creó bases curvas y luego las remató con paneles de acero inoxidable, que sirven como área de asientos y mesas, respectivamente.

Luego, las piezas se tiñeron con tinta negra para retener la esencia de la caligrafía china.

Diseñador: Chulan Kwak

La Dragon Console Chair es un hermoso enredo de madera negra con un asiento de acero inoxidable para sellar el trato. Tridimensional y escultural, es la combinación perfecta de diseño y arte. Extremadamente minimalista y nítido, me pregunto qué tan cómoda será realmente la silla si alguien se deslizara sobre ella.

El siguiente en la línea es la Tabla de la Consola del Dragón. La forma orgánica de madera también se impone aquí, con un panel de acero inoxidable aún más largo que funciona como una mesa. Un extremo de la curvilínea estructura de madera atraviesa la mesa creando una estética muy cruda, haciendo que el extremo parezca sumergido en la placa metálica.

 




100 Esculturas metálicas que le dejarán sin aliento

La escultura es una de las grandes artes que desde el inicio de los tiempos humanos hemos practicado; incluso lo practican algunas aves para enamorar a sus parejas.


Artist Sculpture Matt Wilson at WOoArts

Artist Sculpture Matt Wilson at WOoArts

Artist Sculpture Matt Wilson at WOoArts

Work by Mesplé involves a balance of cast sculptures, magnets, kinetics, and blacksmithing to develop technology-mediated art forms that transform the current experience interactive art.

Artist Sculpture Matt Wilson at WOoArts

Sculpture Artist J.K. Brown at WOoArts




Descubren en Alemania iglesia medieval “majestuosa” de 1.000 años y 70 antiguos entierros

La basílica fue encontrada en el Palacio Real de Helfta, una de las residencias de Otón el Grande, rey de Alemania y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en el siglo X.

Un equipo de arqueólogos descubrió cerca de la ciudad alemana de Eisleben, en el estado de Sajonia-Anhalt, los restos una iglesia medieval “excepcionalmente majestuosa” construida en la segunda mitad del siglo X por Otón I, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, y 70 antiguas tumbas que datan desde el siglo X hasta el XV.

Según informaron las autoridades, los restos del antiguo templo, fundado cerca del año 968, fueron hallados durante una serie de excavaciones realizadas en el Palacio Real de Helfta, una de las residencias de Otón I, apodado ‘el Grande’, rey de Alemania desde 936 y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico desde 962 hasta su muerte en 973.

Acerca del Rey Otón I (Otto)

Otto, nacido el 23 de noviembre de 912 y muerto el 7 de mayo de 973, fue elegido rey de Alemania en 936 y, tras una exitosa invasión de Italia, se declaró rey en 951 y más tarde fue coronado como el primer emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en 962.

Fue coronado por el Papa Juan XII, que más tarde se rebeló contra Otto.

Esto provocó una nueva ley por la que un papa ya no podía ser elegido sin la aprobación del emperador.

Esta proclamación abrió una era de dominación alemana del papado y, de hecho, convirtió a Otto en el jefe de la comunidad cristiana.

Otto fue sucedido por su hijo Otto II después de su muerte en 973, pero sus políticas continuaron hasta 1056.

Mucha gente cree que Otto revivió el Imperio Romano y lo consideran uno de los más grandes gobernantes sajones. El Sacro Imperio Romano fue nombrado después del Imperio Romano y se consideró su extensión que tenía como objetivo restaurar el catolicismo como la única religión en el imperio y suprimir el protestantismo.

Los Descubrimientos

Las investigaciones en el lugar, que comenzaron en mayo, han revelado los cimientos de una basílica de aproximadamente 30 metros de largo por 20 de ancho, compuesta por tres naves divididas en seis secciones principales. Entre las reliquias recuperadas del sitio se encuentran un crucifijo románico de bronce con esmalte, elaborado en el siglo XIII, y el gran fragmento de una campana de la iglesia.

Además, en el interior de la iglesia y en su perímetro se hallaron 70 tumbas pertenecientes a diversos periodos que abarcan desde el siglo X hasta el XV. La calidad y cantidad de monedas, lujosos broches con incrustaciones, fragmentos de cerámica, trajes tradicionales, entro otros bienes, sugieren que fue el lugar elegido por la aristocracia de la región para sepultar a sus muertos.

A pesar de que el edificio fue demolido hace siglos, detallaron las autoridades, “las fosas de excavación y los restos de los cimientos, así como las reliquias del mobiliario, todavía permiten vislumbrar el esplendor del edificio”. “Se trata de una iglesia magnífica y excepcionalmente grande, lo que demuestra la importancia de este lugar en la época […] Otón construyó efectivamente una iglesia que se asemeja a una catedral en miniatura”, comentó Felix Biermann, director del sitio.

La ‘pequeña catedral’, consagrada a Santa Radegunda, princesa franca durante el siglo VI y fundadora de la Abadía de la Santa Cruz en Poitiers, en Francia, fue un importante lugar de culto durante más de 500 años, hasta que fue demolida tras la Reforma Protestante iniciada por Martin Lutero en 1517, que cambiaría para siempre las prácticas y actitudes religiosas en toda Europa.

 




Arte Digital: Utilizando matemáticas y código, Alvaro Abril genera un nuevo tipo de arte

Soy Alvaro Abril, Director de www.dineroclub.net. Espero que disfrute de estas imágenes, una muestra de mi colección de arte digital, creado con el avanzado lenguaje LiveCode (utilizado para IoT, Machine Learning e Inteligencia artificial) y matemáticas. TODO se basa en la ecuación del círculo formado por seno(x) y cos(y).

Puede escribir a presidencia@dineroclub.com, whatsapp: +573053221527 para comunicarse.

Hotel Las Islas
Alvaro Abril, Director de Dineroclub.net en su visita al Hotel Las Islas

El objetivo final a mediano plazo es que el mismo software sea capaz de crear arte abstracto de calidad, que no se diferencia del desarrollado por un ser humano. Soy estudioso permanente de Machine Learning, Inteligencia Artificial, Simulaciones, Big Data y Gamification.

En este trabajo, tanto la forma como el color está controlado por funciones matemáticas, es un estilo de dibujo difícilmente imitable si es pintado por un ser humano.

 




Jeff Nishinaka, un escultor especializado en realizar obras de arte en papel

Jeff Nishinaka es un escultor de papel de Los Ángeles cuyo trabajo artesanal está encargado en todo el mundo por compañías privadas y públicas y celebridades. Desde líneas etéreas en una criatura mítica hasta formas geométricas en un paisaje urbano, Nishinaka se basa en la fantasía y la realidad para crear objetos monocromáticos en relieve. Su fascinación por el arte comenzó a temprana edad, como fanático de Norman Rockwell, los dibujos animados de los años sesenta, los cómics de Marvel y el cómic japonés “Astro Boy”. Después de asistir a la Universidad de California en Los Ángeles, obtuvo una licenciatura en Bellas Artes. en Ilustración del prestigioso Art Center College of Design en Pasadena, California.

El papel se convirtió en el medio elegido por Nishinaka como estudiante de arte. En lugar de elegir fósforos, clavos o arcilla para un proyecto de clase, se desafió a sí mismo usando papel para crear una escultura de peces multidimensional. Durante este proceso creativo, se sintió obligado a descubrir nuevas formas de dar forma, doblar y redondear bordes en diferentes tipos de papel. Se sentía destinado a ser un artista de papel.

El trabajo de Nishinaka ha sido presentado en numerosas galerías, exhibiciones de arte público, exhibiciones minoristas y campañas publicitarias para clientes como Microsoft, Starbucks, Ralph Lauren, United Airlines, Clinique, MGM Studios, Lexus, Johnnie Walker Blue Label, Qualcomm y Iggesund Paperboard. Ha creado más de 40 esculturas personalizadas para el experto en artes marciales y el actor Jackie Chan. Publicaciones de arte de todo el mundo y medios de comunicación como USA Today The New York Times V Magazine The Atlantic han promocionado su trabajo.

El artista atribuye su exitosa carrera de 30 años a la relación especial que tiene con el papel. Él siente que el médium tiene una energía y una vida propia y que es su parte liberar o revelar lo que ya está allí. Tratando de no trabajar demasiado o forzar el papel para que se someta, deja que la belleza del papel hable por sí misma. 

Cada escultura comienza con una idea, un esbozo e investigación. Cuando está listo para construir, Nishinaka usa herramientas simples: un lápiz, un cuchillo X-Acto, una clavija de madera, pinzas, pegamento y un borrador . Por encima de todo, sus herramientas más preciadas son sus manos. Para él, el toque humano otorga una calidad de textura que no se puede lograr digitalmente. 

Siguiendo los más altos estándares de calidad y artesanía, Nishinaka crea meticulosamente cada elemento de una estructura con gran precisión, paciencia y pasión.

Para Nishinaka, crear arte para los clientes es tan divertido como lo es enseñarlo. Se desempeña como instructor en la Academia de Arte de la Universidad de San Francisco, donde dice que las “mentes jóvenes y frescas” lo inspiran y lo motivan a refinar continuamente sus habilidades. Junto con la enseñanza, a Nishinaka le gusta viajar, tocar la batería, construir aviones modelo y compartir consejos sobre su oficio con los seguidores de las redes sociales.




Monasterio Nido del Tigre en Bután

Uno de los mas bonitos templos de Asia (y tal ve del mundo) se encuentra en Bután. Hablamos del Monasterio Taktsang Palphug mas conocido como el Nido del Tigre.

Colgando precariamente sobre la cornisa de la montaña, a 1.000 metros de altura del valle sagrado de Paro, es un templo sagrado para los budistas del Himalaya. Fue construido en 1692 y a pesar de que el acceso a los visitantes está muy restringido, bien vale el esfuerzo de intentar conseguirlo.

La leyenda cuenta que el Segundo Buda (Guru Rinpoche, en el siglo VIII) voló hacia el acantilado sobre el lomo de un tigre volador y allí se detuvo a meditar en una cueva que hoy forma parte del monasterio. Durante este viaje a Bután, Buda se detuvo en dos lugares para derrotar a sendos demonios. Uno de estos lugares es este monasterio donde estuvo durante 3 meses.

El Monasterio se ha convertido en uno de los principales atractivos turísticos de Bután aunque no sea sencillo llegar hasta allí. La única forma de llegar hasta el Nido del Tigre es a pie o a caballo.

Encontraremos la senda que sube al Monasterio en el extremo norte del Valle de Paro. El camino sube hasta los 2.600 metros de altitud en sus 3 kilómetros de extensión. Desde el mismo valle se tienen hermosas vistas del Nido del Tigre, aunque su magnificencia se agiganta a medida que se va subiendo. Desde abajo, parece muy pequeño, encaramado en la orilla del acantilado.

El camino se inicia con una subida donde no abunda la sombra por lo que es indispensable llevar gorro y agua. A medida que subes, las vistas del valle de Paro son impresionantes. Desde este mismo camino, podrías seguir a pie hasta Tibet. Un poco mas arriba, ya te internas en un denso bosque de pinos azules.

Una vez que estás en plena subida, el Nido del Tigre desaparece de la vista, pero a poco de andar ya ves una pequeña estupa con sus hileras de banderas de oración, que señalan que estás en la buena senda. Muy cerca de allí hay una cafetería para reponer fuerzas. Las vistas desde allí son inolvidables. Muchos sólo hacen esta primera parte del camino, pero seguir tiene su recompensa.

Otra media hora mas de camino subiendo la montaña es necesaria para llegar a las casas de peregrinos. Desde allí, unos minutos mas y estarás a 3.140 metros de altura, con una visión sobre el valle y las montañas de Bután que no olvidarás fácilmente.

Desde aquí se observa claramente el Monasterio Taktsang Palphug, inexplicablemente firme en un pequeño terreno colgando del acantilado vertical, a 1.00 metros del valle. La innumerable cantidad de banderitas de colores se señalan el camino.

La senda baja un poco serpenteando entre el color de las banderas al viento, la montaña y la belleza del monasterio frente a ti. Un paso, una foto, Un paso, una foto. El Monasterio no es la única construcción allí arriba. ¡Increíble! Hay todo un grupo de pequeñas construcciones que se aferran a la montaña. Entre ellos la Singye Phu Lhakhang o cueva del León de Nieve, un refugio para meditación bizcado muy cerca de una hermosa cascada.

El complejo del monasterio es enorme. Los edificios principales están junto a pequeñas capillas y casas de elaborada decoración. En cada una de estas construcciones encontraremos una imagen sagrada, un lugar único para la relajación y la meditación. Siempre con imágenes doradas de Guru Rinpoche y sus diferentes manifestaciones.

Encontrarás ofrendas a sus pies: arroz, galletas, agua, dinero. Allí se encuentra la cueva donde se supone que el Segundo Buda meditó durante aquellos 3 meses y derroto a los demonios del lugar. Las paredes decoradas con murales donde vemos las 8 manifestaciones distintas en las que Guru Rinpoche se presentó a lo largo de su vida.

Pequeños edificios se desparraman alrededor del Monasterio y su cueva sagrada y un angosto camino sigue hacia la cima de la montaña, el Machig-Phu Lhakhang, donde los habitantes de Bután van en procesión a pedir por sus hijos.

El Monasterio Taktsang Palphug mas conocido como el Nido del Tigre, es un prodigio de ingeniería y de arquitectura, además de ser un lugar sagrado de enorme belleza. Digno de admirar.

 




Monasterios de Meteora (Grecia): Arte y Arquitectura sobre Piedra

Después del Partenón de Atenas, una de las atracciones turísticas más visitadas de la Grecia continental son los Monasterios de Meteora, un ejemplo extraordinario de cómo el ingenio del hombre puede realzar las maravillas de la naturaleza en lugar de desfigurarlas.

En un paisaje metafísico que podría ser el escenario ideal para la próxima película de la saga Star Wars (pero que ya se ha utilizado para las películas de James Bond en la década de 1980), imponentes torres de piedra arenisca se elevan hasta la cima de las cuales se elevan seis antiguos monasterios.

Al verlos suspendidos de esta manera, los monasterios de Meteora parecen inaccesibles, en realidad todos se pueden visitar y se puede llegar, más o menos fácilmente, a pie, en autobús o en coche. Entre vistas impresionantes, escalones empinados y descensos vertiginosos, una visita a Meteora es a la vez una aventura, un momento místico y un viaje cultural fascinante.




¡BLOQUES DE TERRARIO APILABLES Y JUGABLES QUE LLEVAN A LA MADRE NATURALEZA A TU ESCRITORIO!

Casi del tamaño de una caja de fósforos, estos cuboides acrílicos contienen un terrario vivo, respirable y autosuficiente. 

Diseñados para ser lo suficientemente compactos como para colocarlos en cualquier lugar, los Level Scapes son una excelente manera de llevar un poco de naturaleza a cualquier lugar. 

No solo una planta simple sino un verdadero hábitat floral natural. Los terrarios son microhábitats maravillosos que tienen la habilidad de sobrevivir solos, reponer sus necesidades y vivir en armonía, como un bosque en miniatura. 

Solo un toque de agua y unos pocos rayos de sol y el terrario es capaz de mantenerse por sí mismo. Cuando se apilan juntas, son una gran alternativa a las plantas en macetas, ya que son compactas, resistentes y fáciles de mantener.

Los terrarios a menudo ocupan un par de pies cuadrados de espacio … Level Scapes logra acomodarlos en cajas del tamaño de una palma que puede colocar fácilmente en su mesa. 

Alojados dentro de una caja acrílica que se puede abrir, que actúa como un invernadero, estos pequeños ecosistemas se pueden colocar individualmente, o incluso en grupos, apilados uno sobre otro como bloques de juego. 

A diferencia de las plantas que requieren cuidados (porque se las hace existir fuera de su hábitat forestal natural), los terrarios son, de hecho, hábitats en sí mismos. 

Compuesto por una variedad de musgos y helechos que pueden vivir y mantenerse bien dentro de sus entornos cerrados, cuidar los terrarios es increíblemente fácil. 

Los Level Scapes solo requieren una cantidad moderada de luz solar por día y unas pocas gotas de agua cada dos días aproximadamente. 

La configuración de acrílico cerrado es casi como un invernadero,

En su forma compacta, los Level Scapes son una forma maravillosa de darte a ti mismo (¡o incluso a alguien más!) El regalo de la naturaleza. 

Excelentes para apreciar y fáciles de mantener, estos pequeños bloques apilables y jugables agregan un toque de vegetación viva a su escritorio que supera a un bonsai o suculento, ¡ya que son mucho más interactivos y divertidos!

Diseñador: Level Scapes

Haga clic aquí para comprar ahora: $ 29.25

 




Mike Dargas hyper-realism artist – Artista hiperrealista

Mike Dargas was born in 1983 in Cologne, Germany. 

Alongside his first drawings, he started making paintings with oil paint from a young age, which he was selling to friends of his mother.

At age eleven, Mike Dargas exhibited his talent publicly, drawing old masters paintings with pastel and chalk on the pavement in front of the Cologne cathedral.

He then got accepted in an art school, from which he graduated after a year and a half, the only child in a class of adults.

There, he learnt different techniques, and received a training that led him to master three dimensional arts, like wooden sculptures.

In his early twenties, he built himself a solid reputation in the tattoo scene and won numerous prizes and awards.

Inspired by artists such as Dali, Caravaggio and HR Giger, Mike Dargas studied various techniques and since his youth developed a passion for realism, which he narrowed down over the years to hyperrealism.

The extremely precise technique with oil paint gives, like a photography, a snapshot of the moment. The artist studies his subjects with such intensity, that each portrait pictures a profile of increasing intimate closeness.

In his portraits, Mike Dargas is not limited to certain types. He paints young and old, beautiful and dark, fragile and strong people.

They are lost in their thoughts, show inner conflict or convey a unique or even holy calmness.

The perfection of his technique serves his goal to tend towards the perfect image, reaching for the soul within each single one.

Through his works, Mike Dargas challenges us to take a closer look, to understand the nature of human being and to question our own emotional perception.

The artist lives and works in Cologne, Germany.

http://www.mikedargas.com

 




Viaje al Museo Copto de El Cairo – La historia de la religión

El Museo Copto es un museo dedicado al arte copto de entre los años 300 y 1000 de nuestra era. Se encuentra en la ciudad de El Cairo en Egipto.

El museo fue fundado en 1910 y contiene diferentes piezas de arquitectura, objetos de marfil, iconos y papiros todos ellos de factura cóptica. Se encuentran en el museo los célebres Manuscritos de Nag Hammadi.




Sergio Odeith, el Genio portugués del GRAFFITI

Sérgio ‘Odeith’ nació en 1976 en Damaia (Portugal). Fue a mediados de la década de 1980 cuando usó una lata de aerosol por primera vez. Pintó algunas firmas y garabatos en las paredes de su vecindario. 

Pero solo a mediados de la década de 1990, Sérgio tuvo su primer contacto con el graffiti, mientras que algunos escritores de graffiti pintaban fuera de su vecindario (Carcavelos), donde el graffiti tenía un fuerte movimiento. Sus primeros experimentos fueron pintar ilegalmente en las paredes de la calle y principalmente en las líneas de ferrocarril de la línea Sintra. La pasión que siempre ha mostrado por el dibujo ha encontrado un nuevo propósito. La evolución fue impresionante debido a la dedicación a pintar murales a gran escala en Damaia, Carcavelos y en muchos barrios pobres de la ciudad de Amadora.

Sérgio abandonó la escuela a la edad de 15 años. Sin ninguna graduación escolar o clases de arte, nunca se dio por vencido, todo su conocimiento sobre el arte era completamente autodidacta. Después de varios años pintando murales callejeros con el nombre de “Eith”, fue en 2003 cuando creó el nombre de “Odeith”. En 2005, comenzó su camino hacia el reconocimiento internacional como resultado de sus piezas innovadoras utilizando la técnica de anamorfosis . La mayoría de las composiciones de Odeith pintadas en esquinas de 90º o paredes planas realmente crean un efecto de ilusión óptica 3D.

Un estilo oscuro de anamorfosis, que más tarde llamó “Somber 3D”. Las composiciones auténticas de enormes insectos u objetos, pintadas en espacios abandonados se volvieron virales y destacaron por su realismo y técnica.

Más tarde, en 2008, cerró su tienda de tatuajes (abrió en 1999) y se mudó a Londres. Actualmente en Lisboa, Odeith se centra exclusivamente en pinturas, murales y pinturas.

PIC FROM Caters News – (PICTURED:Srgio Odeith,42, from Portugal, creating a 3D spider illusion using graffiti) – Incredible time lapse footage shows a graffiti artist creating a terrifyingly realistic 3D spider which appears to jump out from the wall it is painted on.Portuguese muralist painter Sergio Odeith took just minutes to create the huge arachnid on three walls in an abandoned building in his home city of Lisbon.A video shows him using clever effects to create the optical illusion the 3.5 metre high (11ft 5ins) eight-legged beast is running straight towards the viewer.SEE CATERS COPY